En general nos causan gracia los delirantes. Claro que cuando el delirante es un general, no resulta tan gracioso.

Sin embargo hay algo del delirio que nos hace reír. El relato de alguien abducido por potencias extraterrestres, elegido como único salvador de la humanidad, produce primero desconcierto y luego, cuando entendemos que se trata de un delirio, risa.Pareciera que primero nos ponemos en la piel del perseguido y a medida que esa persecución se nos hace delirante, podemos despegarnos un poco y reír.
Esto hace pensar que somos un tanto delirantes. Digo, gran parte de la humanidad sostiene la creencia en un ser que es hombre y que es Dios, que es tres pero es uno, que es hijo de una virgen y que murió y resucitó. Es una historia que tiene más contradicciones que la novela de la tarde, pero muchos la creen e incluso ordenan su vida de acuerdo a ella, como sucede con esas señoras a las que no hay molestar a la hora de la novela.

Claro que hay delirios que compartimos muchos, como que nuestro equipo de fútbol es imbatible, pero tenemos mala suerte o que hay una confabulación de la FIFA para que perdamos, o que nuestra nación merece ser la primera a nivel mundial, pero que las otras potencias, temerosas, no dudan en complotarse para destruirnos.
Es evidente que la receta que utiliza cualquier ideología política es delirante. Escuchamos que el mercado se regula solo (¿Qué es el mercado?), que el Estado no tiene que intervenir (¿Entonces para que hay Estado?), que no debe haber Estado y que cada uno debe hacer lo que quiere (desconociendo que el hombre en seguida se agrupa para defenderse de los enemigos reales o de los que tienen cara de enemigos).
Supongo que el punto en el que todos somos delirantes es en la persecución. Cualquier hijo de vecino se ha sabido perseguido en algún momento de su vida. Esto en diversos niveles: hay algunos que son perseguidos morales o sienten una mirada que acompaña cada uno de sus actos, otros se creen perseguidos por algún agente del mal (las tentaciones del maligno), otros se creen perseguidos por un complot y están los que nos creemos perseguido por todo lo anterior.
Ahora bien, somos todos un poquitín paranoicos, pero también es cierto que nos agrupamos en torno a delirios y los defendemos como verdades últimas. Para algunos se trata de ser una raza superior, para otros el pueblo elegido, para otros estar en lucha permanente contra el mal y la lista sigue.

Hay un grupo de gente que no suele agruparse en su delirio. Prefiere delirar solos. Sus delirios no son muy diferentes a los que compartimos, pero son enteramente diferentes y esa diferencia es la que nos hace reír. Y en seguida los llamamos locos.
Ahora recordando la caja de Pandora, me pregunto, ¿cómo nos la arreglamos para vivir si nos sacan los delirios? Pues es fácil, viviendo en un delirio y sin cuestionarlo. Digo, sino explíqueme que hace leyendo unas letras escritas en un vidrio que enseguida se borran, y todo eso con la potencia mínima de mover un dedo.
No me va negar que esta de la Internet no es una realidad de delirio.
Si, pero es enteramente realidad.

Entonces, luego de este comentario, les dejo tres videos de delirantes, tan delirantes como cualquier hijo de vecino, esos que creen tener al mejor padre, la mejor madre, el mejor auto, la mejor mujer cuando soy quien tiene todo eso.

Claudio de la Gente para Humor Comico

Benny Hill en video, el doble sentido y por que nos hace reír

Me he preguntado porque Benny Hill nos hace reír. Hay varios inconvenientes para que un cómico de otra nacionalidad nos cause gracia. Solo algunos han logrado traspasar sus fronteras: Charles Chaplin, Rowan Atkinson y su “Mr. Bean”, y a veces, los Monty Python. Parece haber una limitación, una frontera para la risa, que Benny Hill ha sabido traspasar.

He dado con una respuesta, una explicación del porqué del efecto cómico casi universal de Benny Hill, que paso a explicar.

Comenzaré con algo medio aburrido, como es toda explicación del efecto cómico.

Pensemos en porque reímos del doble sentido, algo muy usado por Benny Hill. En el doble sentido hay una situación aparentemente inocente hace alusión a otra, que pertenece al ámbito de la intimidad y, a veces, de la procacidad.

¿Por qué se produce el doble sentido? Hay una cuestión interna al lenguaje que permite el doble sentido.
Realizo una afirmación: cualquier comunicación humana puede ser entendida, en algún punto, como erótica. Va un ejemplo. La expresión: “Vengo de un entierro”, puede aludir a un aspecto fúnebre y, en otro nivel, a un aspecto sensual.

Los psicoanalistas suelen hablar del falo. El falo puede ser presentado como aquello que hace referencia a lo deseablemente erótico. El psicoanalista Jacques Lacan dice que el falo es el significado de todos los significados[1]. Es decir que hay un significado que engloba a todos los significados y ese significado hace alusión a lo erótico. Entonces, hay un aspecto erótico que puede resultar de cualquier experiencia de lenguaje. El erotismo está siempre presente, en el horizonte, de la comunicación humana.

De hecho otro psicoanalista, Jacques-Alain Miller[2], llega a decir:

“Todo lo que decimos, escuchado de cierto modo, puede tener connotación fálica. Basta con que existan sobreentendidos para que se produzca este efecto, el sobreentendido es en sí mismo erótico”.

Aquí hay que leer la connotación fálica como sobreentendido erótico.

Para que un chiste se produzca, entre otras cosas, se necesitan dos elementos:

Primero, un código compartido, una comunidad entre quien cuenta el chiste y quien lo recibe.

Segundo ese código compartido no tiene que ser pronunciado. Cuando denunciamos ese código compartido, se pierde el chiste. Entonces, para reírnos tiene que haber una alusión a un sentido compartido. Un sobreentendido.

Ahora bien. Hay un código compartido por todos, por efecto de la estructura misma del lenguaje: el sobreentendido erótico. No importa tanto la nacionalidad, la provincia, el distrito o la parroquia de dónde se proviene. En relación a lo erótico la gran mayoría sobreentiende de qué se trata. Y cuando se sobreentiende, hay un placer, una risa que dice: ¡Entendí lo que me intentas decir! Y eso causa placer. Con esto, obtener un sentido causa placer. Mientras que no obtener ese sentido, no entender el sentido de algo, causa displacer.

El contra ejemplo es el humor informático, donde las personas que comparten ese código son menos. Si no se es un especialista en informática, esos chistes nunca serán chistes.

Entonces, un cómico que se dedique al humor informático, será incomprendido por los grandes públicos, mientras que el que se dedica al humor de doble sentido podrá ser comprendido por la mayoría.

Para la gran mayoría, la alusión erótica está presente en la sombra, de cualquier comunicación humana, y eso propicia el sobreentendido, la comprensión de eso oculto y el efecto de risa.

Con Benny Hill se sobreentiende que en el horizonte está el erotismo, y siendo que la mayoría entiende o cree entender de qué se trata el erotismo, el efecto de risa está facilitado y asegurado. Luego está el tema de los gustos.

Espero que se haya entendido. Y si no entendió nada de lo explicado, vaya y compre una zanahoria. Ahí seguro que entiende.

Claudio de la Gente, para Humor Cómico

[2] “Teoría de los goces” en “Recorrido de Lacan”, Editorial Manantial, Buenos Aires, 1991.

Wendi Sulca, el folklore peruano de Cuzco y el enano facista

La incapacidad para definir el suceso reciente de cierto folklore peruano plantea grandes dificultades para el crítico de arte que todos llevabamos dentro, junto al enano fascista y a un costadito del indio.

La primera celebridad que conoció este movimiento folklorista fue Judith Bustos (ese es su apellido), masivamente reconocida como La Tigresa del Oriente, quien saltara a la fama de la mano de Youtube en 2007. Su sencillo se llamó “Nuevo Amanecer” y para el año 2009 había sido visto por 11 millones de personas, aunque es de pensar que fueron algunos menos que lo vieron muchas veces.

Mientras La Tigresa del Oriente se ganaba su lugar fuera de la red, nuevos artistas, la mayoría de la zona de Cuzco, probaron suerte y lograron ganarse un espacio en la pupila de los trasnochados. Así surgieron, entre otros, Wendi Sulca, con temas como “La tetita” o “Cerveza, Cerveza”. La aparición de “La pequeña Wendi” en el escenario de Youtube trae una serie de novedades que provocan a los sentidos, algo exigido en cualquier obra de arte.

Wendi Sulca, según su biografía (no autorizada), alcanzó la fama a los 10 años, con el lanzamiento de su primer CD. Dice la historia que conoció la pobreza y el hambre.  Es hija de Franklin Sulca, quien la preparó para el canto y al tiempo que fue arpista de “Los pícaros del escenario”. La carrera de Wendi Sulca recibió el apoyo de su padre, hasta que la muerte lo alcanzó en un accidente automovilístico. Se dice que este evento marcó la obra de La pequeña Wendi y “Papito no me dejes”, una de sus canciones más populares, sería una prueba de ello.

Wendi Sulca no puede ser juzgada por su música o habilidad para el canto. A su talento hay que sumarle la presencia escénica, la indumentaria y su repertorio. Un ejemplo es el tema que compartimos en la oportunidad, , “Cerveza, Cerveza”, del cual agregamos la letra. No deja de ser vanguardista que una niña de 10 años cante en favor de la bebida, aduciendo una pena de amor, tan vanguardista como pueden parecernos el turbante y la corbata (o croata).

Catalogar la obra de Wendi Sulca y del nuevo movimiento Folklorista Peruano es una tarea difícil. El extranjero la encuentra burda, bizarra o kitsch, pero para el extranjero “todos los chinos son iguales” y “los negros tienen ritmo”. Hay una cierta incomprensión que empuja a la risa cuando vemos al que nos es ajeno. Cualquier chiste de extranjeros, se trate de gallegos o de polacos, es ejemplo de esto. La otra posibilidad, menos simpática, es el rechazo.

Pensar que el folklore peruano es algo bizarro, quizá no sea inadecuado. Lo bizarro refiere a lo fuera de catálogo, a lo extraño y a lo extranjero. En Argentina, los gauchos fueron llamados “bizarros campesinos a caballo” y representan al folklore de ese país. En relación a que sea kistch, el artista plástico Federico Klem, dijo: “cuando se dice que una obra ronda el kitsch es como cuando se dice que ronda la genialidad o la grandeza”. Dado que la obra de Wendi es producto del Folklore, de la cultura de un lugar que no es otro, estamos exiliados de su comprensión pero no de su disfrute.

Claudio de la Gente para http://www.humorcomico.com

Letra del Tema Cerveza, Cerveza

interpretada por Wendi Sulca o la pequeña Wendi

Cerveza, cerveza, quiero tomar cerveza (x2)
Porque ya bastante sufro en la vida, porque mi amorcito se ha marchado lejos. (x2)
Señor cantinero, dame más cerveza. (x2).
Este sufrimiento que me está matando. Quiero olvidarme en esta cantina. (x2)
Sigan tocando mi arpita, en mis horas mas tristes, en mis horas mas alegres, seguire cantando a Uds.
Sigan tocando mi arpita, en mis horas más tristes, en mis horas más alegres, seguiré cantando al Perú.
Manos hacia arriba, manos hacia abajo, sigamos bailando, si, si, sigamos bailando. (x2)

Chinos teniendo accidentes automovilísticos completamente evitables mas sucesión de bloopers

Henri Bergson comenta, en su libro “La Risa”, que una fuente del humor es el accidente, donde lo involuntario empuja a la torpeza. Para que se de el efecto cómico algo de la falta de voluntad se hace presente. Si tomáramos como referencia a Freud, esa acción que va más allá de la voluntad sería una acción inconsciente. En esto Bergson parece apoyar a Freud.

Retomando a Bergson, por falta de agilidad, por obstinación del cuerpo, por distracción, por un efecto de rigidez o velocidad adquirida, los músculos siguen ejerciendo un mismo movimiento cuando las circunstancias exigen uno distinto.

Cuando vemos a alguien perder el equilibrio y comienza a agitar los brazos, como queriendo ubicar un punto de apoyo en el aire o simplemente salir volando, se nos dispara la risa. Sabemos que ese movimiento es inútil, poco adaptativo y, en todo caso, preanuncia la caída.

Ahora bien. Aquel que nos hace reír es siempre un poco uno mismo. Necesitamos algún tipo de empatía, necesitamos compartir algunas referencias con aquel que nos hace reír. Jacques Lacan, otro psicoanalista, dice que haya chiste hay que ser de la misma parroquia.

Al mismo tiempo se necesita algo de ajenidad, porque sino lo que surge es la compasión. Si alguien se cae y se rompe la crisma, podemos reír, pero si ese que cae es un ser querido, nos preocupamos y vamos en su ayuda. Quizá, habiendo visto que el accidente no es fatal o sanguinario, podemos encontrar el efecto cómico, pero solo en un segundo momento.

Ahora supongamos que tenemos a alguien tan ajeno como a un ciudadano chino, un representante lo exótico. También es alguien con el que compartimos algo de nuestra comunidad, porque finalmente es humano. Luego ponemos a estos chinos en situación de accidentes, de torpezas involuntarias e inexplicables, como podrían ser evitables accidentes de transito, porque se circula a mínima velocidad o porque el objeto con el que se va a chocar está a la vista. Y a su vez, le sumamos una música provocativa, con redobles, como si lo que realiza fuera una hazaña circense o los simples platillos que coronan un chiste, lo que obtenemos es un exceso de elementos para provocar la risa.

Entonces, este video que les presentamos de “chinos teniendo accidentes automovilísticos completamente evitables porque son realizados a una velocidad mínima” es una formula cierta del humor. Basta con ver al accidentado que aparece a los 2 minutos y 9 segundos, para comprobar que todo lo escrito hasta aquí es enteramente cierto.

Claudio de la Gente para http://www.humorcomico.com

Federico Manuel Peralta Ramos una obra de arte viviente

Al igual que los maestros orales, la gran obra de Federico Manuel Peralta Ramos no se encuentra en el papel, ni en los libros, ni en los cuadros ni en las esculturas. Su arte fue el de la ocurrencia, fugaz y poco adepto a la inmortalidad.

Quien se disponga a buscar, encontrará algunos sueltos, algunas poesías y otras frases que se le adjudican. Se sabe que solo vendió una obra de arte: un buzón. Era uno hecho por él, lo compró una actriz y nunca se lo pagó. No deja de ser una ironía, dado que en Argentina, su país, es sabido que un modo histórico de estafa y un lugar común para el estafador es el de “vender un buzón”.

No recuerdo de dónde obtuve una breve reflexión poética suya acerca del arte:

“Arte que me hiciste mal
y sin embargo te quiero
Arte que te llevaste
amigos
Arte que hacés sufrir
Arte que maltratás a la gente
¿Por qué no te dejás de joder?”.

Tampoco recuerdo quien me transmitió una de sus frases más recordadas:
“Al final, Dios no es ningún pelotudo”.
Definirlo es bien difícil. Su humor, si es que lo tenía, era más bien el uso de la ironía. Antes citábamos la venta del buzón. Se cuenta que cierta oportunidad tuvo un altercado con un taxista. Peralta Ramos era un señor alto, muy alto, y su peso en general era superior a 100 kilos, generalmente de 130. A pesar de esto, enfrentado al chofer y habiéndose hecho evidente que la contienda iba a ser despareja, al menos en lo físico, Federico le espetó al taxista: “Señor, desde ya le anticipo que soy inmensamente cagón”.

Por los años 70s, en el Centro de Artes y Comunicación, Federico Manuel Peralta Ramos montó una exposición titulada “El gordo”. Quien ingresaba al salón de la muestra se encontraba con un ambiente de paredes blancas en el centro al mismo Federico Peralta Ramos sentado. Se dice que a veces tomaba unos mates pero no hacía nada más.

Tuvo una breve labor que podría llamarse cómica en la televisión. Tato Bores lo convocó a dos de sus ciclos, a “Tato siempre en domingo” y luego a “Tato de América” en el 1992.  Se dice que no trabajaba con guiones y que improvisaba en el momento. Poco se guarda de aquel material. Junto a estas líneas agregamos un video de sus participaciones en el programa de Tato. También participó en cine, austeramente. Se lo ha visto en dos peliculas, en la inhallable “Tiro de Gracia” y en “El hombre que ganó la razón”, de Alejandro Agresti.

Se lo recuerda por algunas excentricidades, como haber fundado una religión, la gánica, que consistía en que cada uno hiciera lo que tiene ganas. También es conocida la referencia de cuando ganó la beca Guggenheim, una especie de subsidio para artistas. Federico Peralta Ramos gastó el premio en un gran banquete para sus amigos. Cuando la gente del premio Guggenheim le reclamó por el uso del dinero, él afirmó que su obra de arte era ese banquete. “Leonardo pintó La última cena, yo la dí”, anunció.

Hoy día lo mejor que podemos conocer de él son las anécdotas que lo tienen por protagonista y donde sus amigos, al igual que los apóstoles, dan testimonio del paso de Federico Manuel Peralta Ramos por este mundo.

Se cuenta que cierta vez, luego de haber contratado un taxi y llegado a destino, el chofer le dijo que el viaje había sido de 10 pesos. Ante esto, Peralta Ramos tendió un billete de 5 y agregó: “No me vas a decir que vos no viajaste también”.

Es recordada la compra que hiciera de un toro de abolengo, en la exposición Rural Argentina. Su idea era hacer una muestra con el animal. Costaba una fortuna que él no tenía. Careciendo del dinero, pidió una beca artística primero y luego la ayuda de su padre. Hay que recordar que provenía de una familia aristocrática, fundadora de balneario Mar del Plata.  El resultado fue que, para evitarle un juicio, se lo hizo pasar por demente y lo internaron algunos meses en un psiquiátrico.

Tenía un gusto por la provocación. Una anécdota, que refiere uno de sus amigos, el artista Pier Cantemessa, ilustra esto. Quizá por medio de la provocación se encontró con la sorpresa y la risa; quizá se encontró con lo que no buscaba. Relata Cantemessa que alguna vez Federico Peralta Ramos le increpó:
“- Decime una cosa, yo creo que a vos nunca te pude sorprender, nunca hice algo que te asombrara. Ya hice muchas cosas, como estar vestido con el traje y los zapatos adentro de la cama, y todo eso, y vos nada. ¿Alguna vez te sorprendí?”.
Agregamos al final del texto un video con algunas referencias de su vida. El responsable del mismo es Lalo Mir y el video de Federico Manuel Peralta Ramos es una de las pocas referencias que tenemos sobre su vida. Luego de los videos hay una selección de sus frases.

Claudio de la Gente para http://www.humorcomico.com

Frases de Federico Manuel Peralta Ramos

Recolectadas por ahí

“Serás lo que te tocó ser y dejate de joder”.

“¿Loco yo? Eso dicen los burgueses que tienen un plafond bajo. Según mi psicólogo, yo soy un tipo psicodiferente”.

“El país, a medida que fue perdiendo tela, fue de Guido Di Tella a Minguito Tinguitella…
(El Di Tella era un centro artístico de Buenos Aires, cuna de grandes artistas pop y sitio de vanguardias y experimentación. Sus artistas fueron perseguidos y el lugar clausurado. Minguito Tinguitella era un personaje popular, de humor simple y muy popular)

“Nada más bello que el gris que se vuelve oro. Nada más bello que el oro, pienso ahora”.

“Es que la noche es un continuo sacadero de conclusiones”.

“La gente que tiene el coso adentro es mutante y las conversaciones no se hacen de cuerpo a cuerpo sino de coso a coso. El coso es la esencia”.

“Lo que no está adentro tuyo, no es tuyo”.

“Comiendo comida diet cuanto más se come más se adelgaza”.

“Pinté sin saber pintar, escribí sin saber escribir, canté sin saber cantar. La torpeza repetida se transforma en mi estilo”.

“Para no ser un recuerdo hay que ser un re-loco”.

“Soy como el boomerang que no quiso volver porque se encontró con Dios”.

“Yo abrí una ventana para que saliera el mal olor y ellos nunca me lo perdonaron”.

“Toda mi vida me la pasé bajando del palco mientras todo el mundo quiere subir. La verdad es que en el palco no hay nada, pero no hay que decirlo porque, si no, se termina el movimiento”.

El efecto cómico de Pepe Biondi según sus guionistas y video de Pepe Miseria

¿Cuál era el efecto cómico que producía Pepe Biondi? Una forma de responder a esto es consultando entre los escritores de su ciclo “Viendo a Biondi”. Ellos fueron Guille y Golo, en la primera temporada, luego Juan Carlos Mesa y Carbone y finalmente retorno Golo.

Una idea que parece prosperar en los sketchs de Biondi era la repetición. Tomaremos dos ejes. El primero es el de la repetición del personaje. Por ese lado han prosperado “Pepe Galleta”, “Pepe Miseria”, “Pepe Curdeles” y otros. El personaje crea una complicidad con el espectador. Hace reconocible a la situación y provoca una espera tranquila hasta la llegada de lo conocido. Hay un placer en la repetición.
Otra vertiente que encontramos en los guiones de “Viendo a Biondi” es la situación de tres actos. Se basa también en la repetición, pero en una estructura mínima. Esto es, en un tiempo limitado se nos presenta una situación breve con efecto cómico. Tomo un ejemplo del mismo programa. Alguien le pide prestado dinero a Biondi y cuando se dispone a darle el dinero, la persona le dice que redondeen la cifra, con lo que le saca más dinero. Luego la situación se repite. La persona vuelve, le repite el pedido de dinero y el redondeo de la cifra. En la tercera repetición, se define el chiste.

En “El guión televisivo y el guión radial”, de Luis Buero, encontramos un reportaje a Juan Carlos Mesa, quien nos explica el mecanismo:
“Era el clásico 1, 2, 3 de Biondi: plantear una situación y jugar en tres instancias parecidas. Por ejemplo, aparecía Biondi en una calle y le preguntaba a María Esther Corán – que era aquella actriz alta, robusta – o a Lita Landi, por la calle Cucha Cucha. Entonces la gorda lo miraba y le decía: “¿la calle Cucha Cucha?, usted me viene a hablar de la calle Cucha Cucha a propósito, porque esa calle fue donde mi novio me abandonó y me dejó con el vestido hecho, ¡idiota!, y le daba un bife y lo tiraba al suelo. Ése era un paso. El otro paso era cuando se levantaba y aparecía otra de estas mujeres y Biondi le preguntaba lo mismo: “¿la calle Cucha Cucha?” y entonces a ella le despertaba recuerdos y emociones esa mención y terminaba “fajándolo” de nuevo. La tercera situación era con Díaz Lastra, que era el yerno de Biondi, un cubano que se enojaba muy bien. Era un actor que tenía un gran carácter para hacer ese tipo de papeles. El actor estaba parado en una esquina y él se acercaba. Pero ya Biondi, con esa gracia que tenía, incomparable, le preguntaba: “¿Señor, la calle Cucha Cucha?. Entonces el tipo lo miraba y le decía: “¿cómo ha dicho?” y él se ponía los dedos en la boca y le repetía la pregunta pero en voz muy baja porque ya se veía venir el final. Era un sketch de tres pasos”.

El ejemplo lo daremos con el sketch de “Pepe Miseria”, un personaje que tenía mucha hambre. Allí Pepe es invitado una comida por una pareja. Desde otra mesa un hombre parece silbarle a la mujer. El amigo de Pepe Miseria le pide que vaya a hablar, porque si va él se va a armar una trifulca. Esto se repite, como es de esperar, tres veces. Eso si, Pepe Miseria se queda sin comer.

Claudio de la Gente para http://www.humorcomico.com

Juzguemos a los otros, sketch de invasión extraterreste y letra del tema de ChaChaCha

En una encuesta realizada hace unos 5 años, donde se trataba de establecer cual había sido el mejor sketch producido durante todas las temporadas de Cha Cha Cha, el ganador indiscutido fue el de Juzguemos a los otros, aquel en el que un grupo de extraterrestes que viven en el cruce de las calles Santa Fé y Pueyrredon, zona gay si las hubo y las hay, atacaban a los terrestres de un modo nunca explicado. En ese sketch, Diego Capusotto sufría un terrible atentado, el cual lo empujaba un llanto desesperado y al testimonio. Allí, una grabación da cuenta del ataque. Escuchamos sonidos extraños y voces sugerentes. Nada más. El terror.

Bueno ese es el sketch que les dejamos. De ChachaCha seguro escribiremos algo mas adelante, dado que se merecen unas lineas y alguna reflexión. Por lo pronto solo recuerdo parte de elenco de la temporada llamada Dancing en el Titanic, la cual era acompañada por el cantar de Boris Vian, quien se merece también una reseña. Justamente, a continuación les agregamos el elenco de Chachacha y finalizamos con la traducción del tema Mozart con Nosotros, el que acompañaba a los titulos del programa. No recuerdo como me llegó esta traducción, así que lamento no poder citar la fuente.

Elenco de  Chachacha: Alfredo Casero, Fabio Alberti, Diego Capusotto, Vivian El Jaber, Alejandra Flechner, Gissela Gaeta, Daniel Marín, Martín Pavlovsky, Jorge Takashima.

Mozart Con Nosotros (tema de Chachacha)

En los tiempos de los dorados y de los volantes en la ropa

Los marqueses frívolos y la marquesas de cutis fresco
esbozaban tres pasitos de un tímido minué
Gracias que volaron, viejos aires del pasado
Frágil clavecín de resonancias pasadas
Un muchacho con peluca blanca hizo que toda esta gente danzara

Cha cha cha, cha cha cha, No, tu no existías todavía
Cha cha cha,cha cha cha, Brasil no estaba donde está

Dulce melodía que dio cien veces la vuelta al mundo
Y que Mozart olvidó de amenizar con algunos cha cha cha
Que con tu alegre ritmo bailen las rubias y las
morenas
Olvidando el tiempo tan cercano en el que vuestros pequeños dedos tecleaban

Cha cha cha, cha cha cha, no es más que vuestra vieja marcha turca
Cha cha cha, cha cha cha, venid marquesa, escuchad esto!

Muy cerca de Estambul, bajo las pérgolas
Todos los jóvenes turcos se van a bailar el cha cha cha
Y el fresco aroma de las rosas viene a perfumar sus excusas
Bajo el cielo turbador de las noches de gala
Cuando un bello bailarín estrecha una chica entre sus brazos
En los ojos de su compañera sabe bien lo que
encontrará

Cha cha cha, cha cha cha, este alegre estribillo que nos embriaga
Cha cha cha, cha cha cha, y que nunca se acabará

Ya sea Río, París, Nueva York o los Dardanelos
No se puede resistir demasiado cuando se oye llegar el cha cha cha
Ritmo tropical que huele a ámbar y a canela
Llévanos lejos de todo en la alegría y en el gozo

Cha cha cha, cha cha cha, noches estrelladas en el Bósforo
Cha cha cha, cha cha cha, menudo invento turco este invento
Cha cha cha, cha cha cha, ah no, verdaderamente no somos muy buenos
Cha cha cha, cha cha cha, Mozart no se merecía esto

Pero de algo hay que vivir…

El negro humor de Don Hertzfeldt
Dicen las crónicas que Don Hertzfeldt nació el 1 de Agosto en 1976, en California. Se lo define como animador, como dibujante y como autor. Los más arriesgados dicen que es uno de los pocos verdaderos autores surgidos en los últimos años. Su obra cuenta con unos 40 cortos animados, los suficientes para realizar una retrospectiva de su obra.

El mito dice que que empezó trabajando en 16mm mientras estudiaba en la Universidad de Santa Barbara. Estos films, se dice, lo ayudaron a financiarse para comprar un equipo de 35mm y su propio estudio casero, con el cual se fue armando (junto a otros amigos) la Bitter Films Production. Se dice que sus cortos animados fueron vistos en muchos festivales alrededor del mundo. En el 2001 su cortometraje “Rejected” fue nominado para un premio Oscar. También compitió en Cannes con muchos de sus trabajos y varias veces nominado en diversos premios, obteniendo el Sundance en el 2007.
La Técnica de este animador es minimalista. No es alguien interesado demasiado en el dibujo y parece estar guiado por un concepto antes que por la imagen. Sus personajes son del estilo “palito”, similares a los que puede realizar cualquier niño, pero no hay que engañarse. Hertzfeldt, a pesar de su edad, no es cualquier niño. Y su dibujo, puede pensarse, es deliberadamente infantil. Dado que parte del efecto perturbador reside en el contraste de la profundidad de la idea sobre la simpleza de la imagen. No por nada es cabeza de un movimiento de jóvenes animadores, los cuales muestran su talento en MTV o el Animation Festival.
Don Hertzfeldt dibuja, escribe, produce, dirige y edita sus animaciones, lo cual habla de una extrema habilidad y una gran concentración o de desconfianza hacia los terceros.
Generalmente el humor negro es lo que comanda sus guiones. André Breton, en su “Antología del Humor Negro” ensaya una definición de esta corriente. Dice “El humor negro tiene demasiadas fronteras: la tontería, la ironía escéptica, la broma sin gravedad… (la enumeración sería larga), pero sobre todo, es el enemigo mortal del sentimentalismo con aire perpetuamente acorralado -el eterno sentimentalismo sobre un fondo azul- y de una cierta fantasía de corto vuelo, que se toma demasiado a menudo por poesía, persiste vanamente en querer someter el espíritu a sus caducos artificios, y que no dispone ya de mucho tiempo para alzar sobre el sol, entre las demás semillas de adormidera, su cabeza de grulla coronada”.
Pueden preguntarse porque agregar esta cita de Breton. Se me ocurren varias respuestas. Una, seguramente sea la vanidad; la otra es la búsqueda de una explicación de por qué reímos. Breton nos da una serie de pistas, al menos en relación al humor negro. Sobresale la idea de “enemigo mortal del sentimentalismo”. Podría agregar que en el humor negro se pervierte la idea de sentimentalismo.
Justamente, Billy´s Ballon, la animación de Don Hertzfeldt que tenemos de ejemplo, se apoya en la perversión de una imagen sentimental: un niño y su globo, rojo para ser más específico. Seguramente una alusión al filme “El globo rojo”, que muchos debimos sufrir en nuestras infancias.
Y otra idea agrega Andre Breton y se relaciona con el despertar. El humor negro busca despetar y sacudir. El humor negro apunta a las tripas, a lo más rechazado de cada uno. Y esto es algo que Don Hertzfeldt seguramente sabe.

Claudio de la Gente para Humorcomico.com

Los bloopers, el desmayo, la risa y lo cómico
En “La risa” Bergson intenta desentrañar el mecanismo de lo cómico y de la risa. Allí vuelca algunas reflexiones interesante. Reproduzco alguna. Dice Bergson, al menos en la traducción que poseo, refiriéndose a lo cómico: “es lo mecánico calcado sobre lo vivo”. Es una definición interesante. Hay algo de lo mecánico que provoca la risa. En “Tiempos Modernos”, Chaplin aparece insertado dentro de una maquinaria de producción. Sus movimientos son propios a los de una máquina. En esa escena se da la conjunción y la confusión de lo humano y la mecánico.

Más adelante Bergson agrega que lo cómico está presente en todo acontecer humano que imita (el calcado) “el movimiento puro y simple, el automatismo, el movimiento sin la vida”. Esto es un agregado a lo anterior. Sin embargo hay que rescatar una idea: el automatismo ¿No hay en la caída la emergencia de lo automático? Allí el cuerpo se maneja solo, más allá de la voluntad, los brazos aletean en el aire, el tronco se balancea buscando el equilibrio y las piernas bailotean en el aire. Y es justamente más gracioso cuando la antesala a la caída es más prolongada, cuando la respuesta automática del cuerpo dura más tiempo y luego se produce el estrépito.

En lo cómico hay también algo de moral. La risa viene a coronar una situación inmoral. Claro que la moral de la que se trata es una que responde a la adaptación del individuo a la sociedad. Dice Bergson que lo cómico viene a expresar una inadaptación del individuo a la sociedad. Lo que causa risa es lo que se ejecuta automáticamente, como distracción del individuo. Es este distraerse, está fisura lo que provoca risa en los otros. Ahí la risa es un correctivo social, una sanción para el descarriado.

Podemos agregar que para la producción de lo cómico hay también una variante, que es la inadaptación a las cosas. Ver a alguien martillando con un reloj despertador nos presenta algunas ideas: una es que el despertador actúa como un martillo; la otra es el mal uso del reloj, transformado en herramienta. Quizá aquí convenga más la idea freudiana de condensación, donde dos ideas se combinan, pero donde una que sofocada y apenas expresada. En esa desadaptación a las cosas hay una metáfora, un reemplazo, evidentemente humano.

Toda esta chachara tiene por fin entender que puede causarnos gracia de un desmayo, de una caída. En cierto modo, puede pensarse que un desmayo es siempre una salida revolucionaria. El desmayado es siempre alguien prófugo de la situación, alguien que escapa. En los bloopers que ilustran estas palabras veremos que los desmayos y las consecuentes caídas, se dan, mayormente, en una situación particular: la del casamiento ¿Cuántas dudas irresueltas pueden ser solventadas por un desmayo?

El desmayo es una solución perfecta, una salida elegante, irresponsable y siempre graciosa, a la hora de tomar una decisión. Y eso es lo que lo hace un video cómico, al menos eso diría Bergson. El video de humor se produce porque algo mecánico, algo más haya de la voluntad se produce y toma al cuerpo, aunque sea para quitarle el movimiento.

Claudio de la Gente para Humorcomico.com

Del humor y los humores

El término humor se originó en el Renacimiento, entre los finales del 1400 y comienzos del 1500. El término pertenecía a la fisiología y a la psicología, y significaba “Fluido”. Los fluidos a los que hacía referencia eran los humanos y se destacaban cuatro: la sangre, la flema, la bilis y el “humor negro”. Estos cuatro fluidos determinaban, a su vez, tipos psicológicos o temperamentos: los sanguíneos, los flemáticos, los coléricos (dependientes de la bilis) y los melancólicos (dependientes del humor negro)
Autores como Ben Jonson o Shakespeare han dedicado alguna de sus obras a la personificación de estos tipos psicológicos o temperamentos.
Otros autores señalan que el tipo de humor determina también aspectos fisiológicos y morfológicos. A saber, el sanguineo es alguien por lo general robusto, bajito, musculado y psicológicamente es irreflexivo, sociable y poco persistente. Es una persona cálida, vivaz, alegre, y con todas las virtudes que pueden suponérsele a alguien que está vivo. Un personaje sanguineo podría ser Sancho Panza, el compañero del Quijote.
El colérico es ardiente, ágil, activo, práctico y de voluntad fuerte que se tiene por autosuficiente y muy independiente. Tiende a ser decidido y lleno de opciones, y le resulta fácil tomar decisiones por su cuenta, y por cuenta de otros también. El colérico es mucho mas intenso que el sanguineo.
El melancólico es un tipo analítico, talentoso, perfeccionista, abnegado, y de naturaleza emocional muy sensible. Nadie disfruta más del arte que el melancólico. También tiende a ser introvertido.
El flemático es un individuo tranquilo, sereno, que no se alarma nunca y pocas veces se enoja. Para él la vida es sin emoción y evita comprometerse todo lo posible. Es tan tranquilo y sereno que parece no agitarse nunca, cualesquiera que sean las circunstancias que lo rodean.

Quizá todo lo que sepamos de humor dependa de estos tipos psicológicos, en su estado puro. No dejan de resultar humorísticos estos tipos: Los sanguíneos (el irreflexivo Curly de los “Tres Chiflados”), los flemáticos (en general ingleses o personajes que toleran, por ejemplo, el engaño de sus esposas y amigos), los coléricos (generalmente dictadores como Moe de los “Tres Chiflados” o cualquier caricatura de Adolf Hitler) y los melancólicos (el caso típico del perdedor o el suicida, siempre propenso al humor reflexivo).
En “The Big Snit”, la animación que nos disponemos a ver, el personaje principal pertenece al grupo de los coléricos y allí reside en gran medida el humor de Condie. Quien vea sus animaciones se encontrará con personajes dispuestos al ataque nervioso, al grito desaforado y a la irreflexión. Resulta genial que lo irreflexivo del personaje se vea en su impulso hacia el serruchar, algo que nos recuerda a ciertas prácticas solitarias, adolescentes (en la mayoría de los casos) y que, en el saber popular, producen la idiotez.
Pero la idea no es explicar esta animación de humor, porque no hay nada peor que explicar un chiste. La idea es explicar el porqué del efecto cómico.
Entonces, volviendo al tema y dejando al animador y cómico Richard Condie de lado, lo que nos suscitan estos tipos psicológicos, es decir el efecto cómico, en estado puro, seguramente, se deba a su pureza. No deja de causar gracia la rigidez del personaje, lo repetido y previsible. Y de ahí su estado de pureza. La brutalidad es, de algún modo, signo de pureza (Un diamante en bruto) y, muchas veces, ocasiona la gracia. Pensemos en la cantidad de chistes que tienen por objeto a seres “brutales” o “en estado bruto”, como es el caso de los chistes contra las colectividades “gallegas” o “polacas”.
Pero claro que la rigidez no solo se relaciona con la brutalidad, sino con la repetición y lo previsible. Se sabe que el hombre es el única animal que tropieza dos veces con la misma piedra. Y las dos veces causa gracia.
En todo caso que algo sea repetido y previsible hace que se nos presente como bruto. Que una tortuga quiera seguir su camino cuando hay una pared delante suyo, puede producirnos una reflexión filosófica, malestar o simplemente la sonrisa cómplice.
En ultima instancia, quizá, no dejemos de vernos repetidos en la repetición y lo previsible de los otros.

De todo esto se deriva que quien tiene una tortuga, en el fondo, es alguien que gusta de la rigidez y por ende, del humor.

Claudio de la Gente para Humorcomico.com

Bruno Bozzetto, cuando el humor se acerca al absurdo

El humor se expresa en la palabra y también en la imagen. Muchas veces palabra e imagen se conjugan para lograr el efecto cómico. En otras la imagen se independiza de la palabra, aunque no por ello la hace ausente.
Bruno Bozzetto, con un apellido que recuerda al dibujo, es uno de los más grandes creadores de animaciones, en las que el humor es la cuota fundamental. Nacido en 1938, debuta, artísticamente, es decir, con la animación, en 1958. Ese corto de debút, que no fue un corto debút, se llamó “Tapum! La historia de las armas” y le valió el reconocimiento de la prensa especializada, especializada en la crítica.
Años más tarde crea un personaje, Mr. Rossi, el cual protagoniza muchas de sus obras en animación.
En 1991 logra una nominación al Oscar con su cortometraje animado “GrassHopper”, el mismo que les traemos arriba de estas líneas.
Esta animación, de las que se veían el programa de Argentina “Caloi en su tinta”, es una especie de historia de la violencia. Aunque es un tipo de violencia particular, la que se ejerce sobre el otro. y esa no deja de ser una dificultad para el humorista.
Si bien siempre el humor es contra alguien, para muchos la habilidad del cómico está en tomarse por objeto de sus reflexiones, como sería el caso de Woody Allen. El tomar a otro por objeto, común en los chistes de colectividades o de géneros, nos deja siempre en el límite de la violencia por la violencia misma y se necesita de cierta maestría para mantenerse en el terreno del humor. Y esto es algo que Bruno Bozzetto maneja a la perfección.
En “Cavallette” veremos que, por lo general, aquello que motiva la violencia es algo referido al ideal, en particular las creencias. Quizá por esto mismo, el corto nos recuerda al teatro del absurdo, donde los ideales son siempre cuestionados y revelados en su carácter caprichoso y convencional. También está presente una visión pesimista acerca del hombre, otro tópico del absurdo.
El teatro del absurdo, justamente, ha intentado demostrar que hombre se encuentra sometido a infinidad de angustias existenciales y que si se aferra a una certidumbre, como pueden ser las creencias o los ideales, es por temor. En el absurdo se mostrará, comúnmente, que las creencias no tienen otro asidero que el capricho. Y es esa búsqueda de certezas, de cosas claras, lo que lleva al hombre a enfrentarse hasta a la muerte misma, con tal de sostener su verdad, aquello que lo protege contra la angustia. Es claro que creer en un cielo o un infierno es mucho más relajante que la reflexión acerca del vacío (sin fritas) y la nada. Entonces, porque privarse de una Cruzada, sostenida en un buen ideal y que, de paso, permite liberar algo de violencia y que además, a modo de oferta, permite abandonar por un rato a la esposa y ese mundo inexplicable que es el de convivir con mujeres.
Otro hallazgo del cortometraje animado en cuestión es que, además, nos muestra que la naturaleza siempre triunfa, lo cual puede ser un mensaje para los defensores del ecologismo. Claro que la naturaleza triunfa por encima del hombre. No por nada cada segmento del corto termina con la muerte y la desaparición de los participantes. Ahora, que la naturaleza triunfe sobre el hombre hace creer que el hombre está por fuera de la naturaleza, lo que es una paradoja, dado que estar por fuera de la naturaleza es la naturaleza del hombre.
Además, que las fuerzas de la naturaleza siempre triunfan es algo que bien saben los dinosaurios. Porque no hay cristiano o tonelaje de carne que se mantenga en pie cuando un meteorito, en estado de naturaleza, arrasa con la potente vida en la tierra.
Porque, al fin de cuentas, hay que ser un poquitín necio para creer en la trascendencia del hombre, en su carácter inmanente, cuando una inundación o terremoto o lo que sea viene a barrer con ese parásito que somos los habitantes de este planeta. Pero entonces, si en el fondo somos tan parásitos, lo mejor será creerse que somos los elegidos, los hechos a la imagen y semejanza de Dios, o cualquier sarta de simplezas.
Claro, hay otras opciones, como son la angustia o el vano intento de trascender como símbolo.

Claudio de la Gente para Humorcomico.com

Espalter y Almada: el elemento discordante de la comedia

El grupo de cómicos uruguayos encabezados por el dúo de Ricardo Espalter y Enrique Almada cosecharon éxitos notables en la televisión rioplatense. El grupo se conformaba por los antes mencionados junto a Andres Redondo, Hugo Frade, Berugo Carambula y Eduardo D´Angelo, autor de muchos de los guiones.
El recuerdo obliga a pensar al grupo resumiéndolo en Espalter y Almada, dado que ellos estaban presentes y encabezaban la mayoría de los sketch de sus programas. Sin embargo, cada uno de los miembros del grupo era fundamental para la dinámica total de programa.
Y quizá el recuerdo devuelve siempre a la dupla Espalter y Almada porque en ellos se hallaba el germen de la comicidad del grupo. En verdad ellos representaban el jugo que distinguía el humor de los “uruguayos”.
Una de las variantes no escritas de la comicidad se apoya en ubicar un elemento discordante en una determinada situación. Imaginemos una cena de gala, donde se respetan tiempos y convenciones. En ella las charlas son repetidas, así como los tratos entre los participantes. Ahora agreguemos un elemento discordante. Supongamos a un personaje que provenga de otra situación. Ese personaje puede ser solitario o multiplicado. Supongamos que ingresa alguien que no viste de gala sino un disfraz de pollo (Agente 86) o un trío que comienza a lanzar tortas (los 3 chiflados) o un dúo que pretende beneficiarse de algún modo en la cena (Porcel y Olmedo) o un grupo de 5 personas que destrozan literalmente la cena (Los hermanos Marx). He allí el efecto cómico. Esto es, el efecto cómico irrumpe como un eructo durante una misa. Lo que no debe ser irrumpe y sorprende, al costado de la angustia.
En el caso de Ricardo Espalter y Enrique Almada esa regla de la comicidad se mantiene constante. Era usual recaiga sobre Espalter el mantener un orden, similar al de la cena de gala del ejemplo anterior, mientras que en Almada recaía la tarea de personificar al elemento discordante.

Claro que Almada era quien caminaba por el filo constante de no transformar la situación en otra. En “La Fiesta Inolvidable” (The Party), Peter Sellers ingresa a una fiesta sin invitación y altera el orden hasta destrozarlo todo, el orden intenta resurgir con la llegada de la policía. Pero todo está perdido y se termna la comedia para pasar al romanticismo. A partir de ese momento presenciaremos el romance de los protagonistas, pero ya no habrá más comedia.Porque se debe alterar la situación y no cambiarla o a lo sumo el cambio de situación implica la salida de la posibilidad cómica.

Entonces tenemos una regla derivada de la anterior: el orden debe ser alterado pero no cambiado. Para mantener el efecto cómico no hay que salirse de los límites de la situación. La salida de la situación, implica la salida del efecto cómico. Se explica claramente: el elemento es discordante en relación a la situación. Si la situación cambia, el elemento deja de ser discordante. Hemos tirado al chico con el agua sucia.

Era esto lo que sostenían Espalter y Almada, un orden constante de la situación para mantener su alteración.
En el sketch de Las Rivarolas, Almada sugiere la caída constante en una situación erótica, pero oscila en el borde sin caer. La caída es implícita, es lo que produce el lazo con el espectador, pero no se realiza. Y, llamativamente, es el mismo Almada quien se asoma al abismo y se rescata.

Otro ejemplo claro de esto es el sketch de “La disquería”, donde la propuesta homosexual del personaje encarnado por Almada tienta al conservador personaje de Espalter. Es éste último quien debe esquivar constantemente los lances de Almada por caer en un encuentro amoroso, promoviéndose como defensor de la tentación de la caída. Pero no cae, la situación se sostiene, y el elemento discordante produce la risa.

Claudio de la Gente para Humorcomico.com